Si pienso en desde cuándo me gusta Julieta Venegas, lo primero que recuerdo es su video mega kitsch de “Sería Feliz”, un prado de ensueño, niñas de cuento y una Julieta que rememora a la novicia rebelde… No sé si me gustaba tanto la canción, pero desde que la escuché nunca más salió de mi cabeza. Por aquel entonces, recién comenzaba a masificarse en nuestro país y su música estaba lejos de convertirse en hits desechables.

Ya han pasado varios años desde ese entonces y parece que cada uno de sus discos hubiese acompañado mis historias amorosas. Pero bueno, este espacio no es para hablar de eso, si no que de música y vamos con eso. El último disco de Julieta Venegas, “Otra Cosa” (2010) es un disco de cambios, es positivo a pesar de que habla de cierres de procesos. Tiene que ver con reconocerse a sí misma y aceptarse. Recién a partir de eso se logra la relación y quizás lo más rescatable del mensaje que transmite “Otra Cosa” es que finalmente, nadie muere de amor.

Julieta explica el título de su placa, señalando que: “Creo que cada momento que vivimos es otra cosa. Distinta a la anterior, porque todo lo que nos sucede es distinto a cada momento y nosotros somos distintos a cada momento de nuestras vidas. Por lo cual nada se repite: aunque las cosas sucedieran igual, nosotros no somos los mismos. Esta es otra cosa, es otro momento de mi vida, en donde no soy la persona que era antes, ni la que seré más adelante” (Fuente: La Higuera)

 Musicalmente, es un disco que saca provecho a todo el potencial de Julieta como música (sí, yo uso música como femenino de músico por ideología), interpreta vocalmente, además de tocar teclado, guitarra y por supuesto su clásico acordeón. Además cuenta con la colaboración de Ale Sergi (Miranda!), Adrian Dargelos (Babasónicos), Koko Stambuk (Glup!) y Cachorro López.

Quizás una de las cosas más destacada en esta placa es la faceta de Julieta como productora, actividad que ejecutó casi naturalmente. Compuso la mayoría de los temas en su propia casa, a base de ensayo y error, logrando un sonido cálido, alegre y muy personal.

A mi gusto, un disco oreja totalmente. Lleno de hits y lugares comunes que se agradecen. Temas evidentes que son necesarios repetir (“Original”, “Revolución”), inseguridades permitidas (“Duda”, “Amores Platónicos”, “Debajo De Mi Lengua”), momentos tristes musicalizados, de esos que se superan pero cuyo duelo es necesario (“Ya Conocerán”, “Si Tú No Estás”, “Bien o Mal”, “Despedida”), pero también habla de volver a empezar sin rencores, sin culpas, sin dolor (“Eterno”, “Un Lugar”, “Otra Cosa”)… porque ahora es “Otra Cosa”.

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La primera vez que escuché a Fabiana Cantilo de manera consciente fue con el cover de “Mi Enfermedad” de Andrés Calamaro. La canción me encanta y por aquel entonces la amaba aún más y en cuanto escuché la versión femenina corrí a averiguar quién era la intérprete. Obvio, no fue su primera ni su mejor interpretación, pero fue la que me marcó e hizo que recordara para siempre su nombre.

Hace algunos días, en el festival “El Abrazo”, estuvo presentándose junto a Nicole, Javiera Parra y Denisse Malebrán y yo me preguntaba en qué estaría esta cantautora argentina que partió su carrera a principios de los años 80 y que a estas alturas, con envidiables 51 años (03/03/1959) de pura jovialidad, sigue rockeando. La respuesta la encontré sin querer queriendo y de una forma muy similar a cuando la conocí.

Por esas casualidades (o causalidades) de la vida estaba en una radioemisora en Osorno, Chile y de fondo escuché “Pupilas Lejanas”. Sí, la misma del grupo Los Pericos, pero en una versión que me sonó como a Miranda! mi reacción fue casi inmediata, en cuanto llegué a mi PC la google y finalmente llegué al último disco de Fabiana: “En la Vereda del Sol”, un disco que ya este año cumple 2 años.

“En la Vereda del Sol” es el décimo disco de estudio de Cantilo y la segunda parte del homenaje al rock argento que comenzó en 2005 con “Inconsciente Colectivo”. 15 Temazos de ídolos como Charly García, Spinetta, Fito Páez, Calamaro y Los Pericos, entre otros destacados músicos argentinos, producido por Afo Verde. Canciones fogateables, a punta de guitarra con versiones femeninas, rockeras e incluso, sexys.

Como si fuera poco contar con 15 versiones de clásicos, al más puro estilo de Fabiana, tiene dos grandes invitados: Gustavo Cordera (ex Bersuit) en “Una Canción Diferente” y Kevin Johansen en “Pupilas Lejanas”, segundo single y a mi gusto una de las versiones más oreja.

En definitiva, un disco de verano, de vacaciones, de fogata, de cena romántica… quizás un disco perfecto para descubrir en febrero.

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Tras el éxito conseguido con “Egoísta”, la cantante mexicana, Belinda, vuelve a las radios con Dopamina. El nuevo single de su disco “Carpe Diem”, es una melodía con ritmos coloridos y con el sello musical de la intérprete que la ha caracterizado dentro del género pop.

“Egoísta” alcanzó los primeros puestos en países como Colombia, Brasil, México y Estados Unidos, entre otros. Por su parte, “Carpe Diem” ya es disco de oro en México y hace poco comenzó a distribuirse en Italia y Grecia.

Actualmente, Belinda es la protagonista de la popular novela Camaleones, donde además interpreta su éxito “Sal de Mi Piel” tema principal de la popular serie. Como si ésto fuera poco, aún se sigue hablando de su exitosa presentación en los Premios Juventud. (Revisa la presentación aquí)

DE GIRA POR CHILE

La historia de LUCA se inicia en Santiago de Chile a mediados de los años ’90. Por aquel entonces, RODRIGO AGUIRRE y ANDRÉS MURA forman LA CRUZ, agrupación con la cual se posicionaron en el medio indie-rock local, tocando en lugares como La Batuta, Blondie, Pub Music, entre otros. Pero sus intereses cruzaron fronteras y a propósito de la cercanía con los integrantes del grupo LA LEY, quienes en ese momento se iban de gira para promocionar su disco INVISIBLE, La Cruz llega a MÉXICO.

En el país del norte, el grupo se comienza a popularizar presentándose en reconocidos locales como Bull Dog, Iguana Azul, Rockotitlan, Rock Stock, entre otros. Sin embargo, su gran acierto fue su paso por TELEVISA, promocionándose a través de conciertos, TV y entrevistas. La carrera musical de LA CRUZ parecía marchar a la perfección.

Los meses de trabajo, la distancia con la familia y amigos, la fuerte presión por alcanzar el éxito, entre otros factores, llevaron a la separación del grupo. Tres de sus integrantes deciden regresar a CHILE, entre ellos RODRIGO AGUIRRE. Mientras tanto, y aún en MÉXICO,ANDRÉS MURA conoce a músicos locales con los que trabaja en diversos proyectos, entre los que destacó CODA. En este grupo conoce al bajista, FITO CEDILLO, uno de los primeros pilares de la nueva banda que empezaba a gestarse.

Años más tarde, Rodrigo Aguirre regresa a México y se rencuentra con Andrés Mura, quién ya ha reunido a gran parte de los músicos de una nueva agrupación. Fueron muchos los que quedaron en el camino, pero son finalmente, RODRIGO MUCIÑO y el trasandino CESAR TORMO, los últimos en sumarse a la banda recién bautizada: LUCA.

La MULTICULTURALIDAD y DIVERSIDAD de estilos dificultó el proceso de alcanzar un sonido único y característico para LUCA, pero es esto mismo lo que logra una marcada diferencia con otras bandas. El público mexicano los acepta y poco a poco comienzan a sumarse seguidores que les permiten grabar su PRIMER DISCO.

La placa se GRABA en el estudio TOPETITUD (propiedad de PACO AYALA y TITO FUENTES, bajista y vocalista de MOLOTOV, respectivamente). En la producción trabajaron codo a codo con CAMILO FROIDEVAL, Paco Ayala y el ingeniero alemán, NICOLÁS CLAU.

Por otra parte, la MEZCLA se realizó en MONTECRISTO, uno de los estudios más importantes y reconocidos de Latinoamérica, propiedad del grupo Los TEMERARIOS. Finalmente, y como guinda del pastel, la MASTERIZACIÓN queda en manos de ABBEY ROAD de LONDRES, INGLATERRA. A cargo de la labor queda el gran ingeniero en masterización STEVE ROOKE, que cuenta con experiencia con artistas reconocidos mundialmente, como FRANZ FERDINAN, BOWIE, THE  CURE, etc.

Actualmente la banda se encuentra promocionándose en México y Sudamérica, dando conciertos, preparando el video del primer sencillo y a punto de lanzar oficialmente su disco.

LUCA son:

Andrés Mura             (Chileno)             Baterista

Cesar Tormo             (Argentino)        Guitarrista y coros

Rodrigo Aguirre        (Chileno)             Vocalista

Fito Cedillo                 (Mexicano)        Bajista

Rodrigo Muciño         (Mexicano)        Guitarrista y coros

No pasa mucho tiempo sin que Cevladé nos sorprenda con una nueva producción. Esta vez, viene bajo el nombre de “Demonio Maravilla”, sin embargo se queda truncado y no logra evolucionar basándose en melodías monótonas y frases recicladas. En cuanto a la temática no es mucho lo que varía transformándose en un disco monotemático, despechado, depresivo y prácticamente adolescente.

Es cierto, las cosas que más destacan en sus anteriores producciones tienen que ver con lo mismo en que este disco decae, pero si se realizan discos cada cierto tiempo en cada uno de ellos uno espero observar, escuchar, sentir una evolución, un cambio. A pesar que desde el “Escritor Maldito” a “Lalalá” sí logra sorprender y dar cuenta de un “nuevo Cevladé”, “Demonio Maravilla” simplemente es más de lo mismo.

Sus mayores aciertos son “Blanco y Negro”, que deja de manifiesto su destreza al frasear y logra su cometido de perturbar al auditor. Por otro lado, “Ven y Bésame” matiza un poco mezclando neo soul con r&b, para entregar una declaración de amor infantil y casi inocente.

En definitiva, “Demonio Maravilla” en sus 15 tracks, dan cuenta de un mc que “se quedó pegado” en su originalidad que ya no lo es. Sólo nos queda esperar que su próxima producción realmente nos sorprenda.

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Ser de esas “chavitas despechadas” parece estar de moda, pero esta vez la idea no es andar llorando por los rincones, sino reivindicarse con el poder y ponerse los pantalones para seguir adelante con nuestras vidas (aunque si es posible, de paso vengarse del pelafustán). Desde Inglaterra Lily Allen hizo lo suyo con “Smile”, en México el grupo Belanova le decía a esos bastardos que ya no estamos para sueños rosa pastel… y en cuanto a lo nacional Francisca Valenzuela se encargó de basurear lo suficiente a los hombres con su disco debut “Muérdete la Lengua”. Siguiendo esa onda llega Katy Perry, que al igual que sus colegas, muestra una dulce y casi inocente apariencia… hasta que abre la boca.

Esta irreverente gringa que aveces suena a Avril Laving que viste como Lilly Allen y se peina a lo Amy Winehouse, viene a hacer frente a una sociedad conservadora que ya hace rato prepara las maletas de viaje sin regreso. Para ello llega a Chile con artillería pesada, su single “I kissed a girl” (”Besé a una chica”) de contenido “heterocurioso”, simplemente es el aperitivo a lo que se escucha en el resto de su placa.

Katheryn B. Hudson nació un 25 de octubre del año de 1984, en Nueva Jersey, Estados Unidos. En sus inicios se hizo conocida cantando canciones gospel en la iglesia en que sus padres eran pastores,  incluso sacó un
disco en esta onda. Su repertorio religioso duró hasta que conoció a los “Queen” , fue ahí que su vida dio un giro en 180º. Firmó por la casa disquera Capitol Records y su carrera comenzó a subir como la espuma. Ahora llega con ”One of the Boys”, una mezcla de pop-rock que ha cautivado incluso hasta la mismísima soberana mundial del pop, Madonna.

Katy es una chica dura que tiene claro que las cosas en cuanto al corazón y al sexo no están claras. Señalada como lesbiana o bisexual, ella simplemente saca provecho posicionándose de los primeros puestos en los rankings mundiales, como Billboard, entre otros. Su pop con toques punketa (”If you can afford me”, “One of the Boys”, “Fingerprints”), también da espacio a la balada (”I’m still breathing”, “Thinking of you”) y al pop más ochentero (”Hot n’ Cold”), pero dentro de lo más llamativo de Perry es su lado brit pop, o sea, para todos los gustos.

En Chile “One of the Boys” (11 tracks) se lanza en septiembre bajo el sello EMI, aunque en Internet ya hay bastante material disponible (incluso el disco completo, que trae 3 bonus track). A pesar de que en el extranjero debutó con el single “Ur so Gay” (”Eres tan Gay”), acá ya comienza a sonar con “I Kissed a Girl”. Esta veinteañera promete puntear en los rankings y ser repertorio obligado en discotecas (sobre todo de la onda de “Club Miel”, “Blondie” etc…), además de comenzar a acaparar portadas dando la pelea a Lilly Allen, escándalos incluidos.

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Cevladé produce rap por segundo. Algunos, hasta lo califican como el “Eminem chileno”, por la evolución que ha logrado en el corto tiempo. Este mc da a luz su segunda producción oficial, tras “El Escritor Maldito”, bajo el título Lalala (Crónicas de un Niñoxico). La placa editada en julio de este año, contiene 22 tracks en los cuales se muestra frustrado, depresivo, crítico, confrontacional y con una inocencia que es casi una ironía (por lo complejo de su lírica).

Lalala, es un disco autorreferente, en gran parte. Sin embargo, hace una crítica escalofriante a la madurez que deben enfrentar los niños en guerras y en la vida real al ser pobres en “Los niños i los soldados” y a la política y sociedad en la que vivimos en “White Lady”. Ácidas líricas se dirigen a sus enemigos en “Multipolar” y en más de un tema dispara sus rimas contra un amor mal correspondido (“Hey Love”, “Lisiar a Alicia”, “Dulce de Niña”, “Ladridos del cielo”). Cevladé luce su calidad vocal en el cover a The Dramatics, con “Be my girl”, en donde se da espacio al romanticismo con sonidos soul, apoyado por High beatz, en las melodías y pianos.

No deja de lado, en cuanto a temática, la vida dentro del hip hop, criticando a mc’s prefabricados y destacando el verdadero rap, del cual se jacta (“Mi Mic i Io”, “Reivindirap”).

Con sólo dos featuring, estos destacan por lo acertados. Por un lado, Gabriel Muñoz, personaje de antaño que alguna vez animó hasta el Festival de Viña del Mar, realiza una locución introductoria de la adaptación de un poema de Vicente Huidobro, en 2:34 minutos sobre un atractivo beat da luces de un disco que sale de lo que comúnmente encontramos en el mercado nacional.

Por su parte, DJ Mataskaupas aporta scratch en los temas “Niñoxico”, “Reivindirap” y “Dulce Niña”, siendo el complemento perfecto que se acopla al tema, sin exigir un falso protagonismo.

Cuenta además con la colaboración de A2n, en la música de “Los Niños i Los Solados” y “Ladridos del Cielo”. Lo suyo hace Klau en “White Lady”, con una locución que logra sazonar el tema, dándole el toque final.

Lalala, es un disco que deja en claro la madurez musical de este mc, que se auto produce. Con un creativo diseño en su carátula sale al mercado una vez más desde el underground, para cautivar a quienes buscan rimas inteligentes y rebuscadas.

Si se le puede criticar algo, a Lalala, es lo extenso que se hacen los 22 tracks, ya que al finalizar no queda ese “gusto a poco” que casi te obliga a comprar, o buscar, el que vendrá. Principalmente dado por lo complejo. Este es un disco que agota, pero que, sin embargo, vale la pena tener y escuchar.

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Hace algún tiempo, Vafe Jhous había cautivado al público hip hop, con su demo “Una decisión personal” y su puesta en escena en diversos eventos a lo largo del país. Sin embargo, eso era sólo la introducción a lo que sería su primer disco. La mc valdiviana muestra en 13 tracks la fuerza femenina que viene a romper el mito de que una mujer no puede cantar y rapear bien. Ella realiza las dos cosas y le resulta, quedando claro a lo largo de la producción.

Ya desde la Intro se descubre un sello personal evocado con la lluvia tempestuosa del sur, acompañada de un buen beat. En cuanto a temáticas sigue una línea clara en la dirección que toma el disco. Vivencias personales, crítica social y relaciones dentro del hip hop. Destacan los temas “Paso a paso”, por su base al más puro estilo electrotango, “Hombre de lata”, un tema de desahogo, fuerza y desenfreno y “Mi bosque en la ciudad”, una especie de fábula de un lobo que se enfrenta a la vida en un lugar que no es de él. El outro viene a ser el broche de oro, o incluso el beso antes de dormir, del cual disfrutas esperando lo que vendrá pronto. Sin dejar el sonido más jarkor que la caracterizó desde un principio, le saca mucho más partido a su lado melódico.

Dj Acres, conocido por acompañar a mc Souvenir, esta vez añade acertados scratch en la mayoría de los temas. Por su parte, mc Rolo, desde Villa Alemana suma la voz masculina en “Quilla Antu”, dándole además ese toque drum and bass que lo caracteriza. En cuanto a la producción, Cenzi se luce demostrando una vez más que es uno de los grandes en Chile. También aparecen nuevos nombres en este sentido, René Silva, Rubén López y Alicanto aportan lo suyo. Se repite el plato Rolo en “Paso a paso”, esta vez, en la producción.

Un disco que desde el underground, se proyecta internacionalmente, con buena métrica y bases, acertados scratch, lírica inteligente y lo mejor de todo, es que es totalmente gratis.

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El hip hop con el tiempo debía evolucionar y eso lo tenían muy claro cada uno de los mc’s que componen “Marabuntaz”. En su primera producción, un demo de 10 pistas, pasan de un fraseo agresivo al romanticismo de una declaración de amor sobre la mezcla de sonidos electrónicos con otros más clásicos (como flauta traversa y tambores).

Sus bases se cargan a lo electrónico. Además, denota la influencia d&b de su creador, el beatmaker ddd (Drago Demonio Digital), en la programación de las baterías que se mezclan casi naturalmente con tambores que aparecen en algunos de los temas. Un elemento que destaca es la saturación de algunos de los elementos de la base, lo cual también se puede escuchar en grupos y solistas del extranjero como el rapero Kanye West.

En cuanto a contenido, sus letras juegan más el rol de presentación que manifestar alguna ideología o pensamiento en específico. En todo caso, poco es lo que se logra distinguir ante la rapidez del fraseo en la mayoría de las canciones, que no por ello significan un mal flow, todo lo contrario.

El disco parte con “Busca Ayuda” que sin denominarse como tal se reconoce como una introducción de lo que es el resto de los temas en el CD, pero también como una manifestación de lo que es el grupo en sí. Bajando un poco las revoluciones sigue, “Con Permiso” en el que se suman algunos sonidos más clásicos de tambores, ¿la letra? Sigue siendo parte de la presentación de lo que es Marabuntaz. Un poco más urbano es “Himno B-Boy” dedicado a los reales exponentes del género. “Matices Negros” , “Novovirus” y “Movtierras” apuntan a lo mismo: a dónde están y hacía dónde pretenden llegar, aunque el segundo y tercero con beats mucho más relajados. “Espacio 20″, saca partido a la saturación, dándole un toque pop y ya comienza a dar luces del fin del disco. La variación musical no es mucha y a la simple escucha podría ser confundido con varios de los temas anteriores. “Te encontré” funciona casi como la segunda parte de “Espacio 20″, aunque con un sonido un poco más oscuro en el que destaca el armónico coro. Y casi como un bonus track aparece una nueva versión de “Con Permiso”, esta vez, en un remix realizado por ddd, en el que expone todo el d&b que lo caracteriza en su individualidad. Punto a parte es “Luvaz” una declaración de amor al ritmo de un beat, que no por ello cae en lo típico de las canciones románticas. Es el tema que más matiza con el resto de las canciones en el disco en cuanto a armonía, instrumentos más allá de lo electrónico, flow y letra.

En definitiva, un disco que parece más una tarjeta de presentación que una producción más profesional, pero que da claras luces de lo que será un buen grupo si siguen la misma línea musical, aunque con un poco más de matices. Es destacable que aportan un sonido más fresco a una escena desgastada de hip hop que hace rato viene mostrando más de lo mismo. Además, saca del underground el d&b, del que poco se conoce masivamente. Es esperable que Marabuntaz no se demoren demasiado en madurar su próxima producción y que logren hacer masiva esta música que de antemano suena exportable y masivo.

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Amy claramente no es un icono de belleza. Su extrema delgadez, su pelo apelmazado, sus tatuajes dignos de presa de una cárcel de esas bien peligrosa, su ensalada de dientes y sus innumerables vicios, la alejan de ser un ejemplo a seguir, pero qué carajo, canta y lo hace como los dioses. Pero como los dioses negros.

Al cerrar los ojos, mientras suena de fondo alguna de sus canciones, es como trasladarse a los años 50′ y escuchar a esas negras que desgarraban con cada melodía, con cada frase, con cada sonido que salía por sus bocas, al ritmo de una mezcla entre soul, jazz y r&b. En ese momento es cuando da lo mismo qué idioma hables, porque sientes que la entiendes y hasta se genera un grado de complicidad entre tú y esa flacuchenta de coraza ruda.

“Back to Black”, su segunda producción (2006) es una amenaza. Winehouse tocó fondo, entonces ya no hay nada que hacer, sólo queda desgarrarse con las oscuras canciones de una mujer que deja su alma al descubierto, mientras obliga a la sociedad en la que se desenvuelve a reflejarse en su decadencia. “Rehab”, “Back to Black” y “You Know I’m no good”, son simples aperitivos en comparación a lo que se escucha en el resto del disco, tanto en música como en letras.

Un bajo casi protagónico coquetea con la batería que marca los tiempos, el piano tampoco pierde importancia, sobre todo en temas como “Wake up Alone”, convirtiéndose en una especie de dúo con Amy y de vez en cuando lloran trompetas que exigen ser reconocidas. Punto a parte son los coros, voces que van a la par con la gran protagonista, llamándola a desahogarse, acompañándola en su dolor, logrando un juego vocal que conmueve, pero que más allá de luchar por un primer lugar, empujan a Amy hacia este, dejando claro quién es la jefa.

“Wake Up Alone” y “Me & Mr. Jones” son mis temas preferidos. Además de unas introducciones que destacan por sí mismas, sus letras de desengaño y soledad calan justito en esas heridas que no cicatrizan…

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